Вопрос по литературе: Как называется музыкальное вступление в классической опере.

1 ответ на вопрос “Как называется музыкальное вступление в классической опере?”. Ответило 2 человека на вопрос: Как называется музыкальное вступление в классической опере. В музыкальном театре. Опера – музыкальный спектакль, где артисты передают содержание пением. Содержание оперного спектакля раскрывается при помощи литературы, музыки, изобразительного и хореографического искусства.

Оперный пролог

оркестровое вступление к опере. Музыкальное вступление к опере или балету. Действие оперы или оперетты иногда прерывается, чтобы персонаж мог исполнить выразительную песню. Песни такого вида называются ариями(от итальянского слова, означающего“воздух”). Наиболее популярные партии в любой опере— это арии. Как называется музыкальное вступление к опере балету или фильму? Определение слова увертюра в словарях. франц. музыка для оркестра, перед начало, открытием зрелища. ж. Оркестровая пьеса, являющаяся вступлением к опере, балету, драме, кинофильму и т. БЕЛЫЙ ЗВУК — термин, распространенный в вокальной практике для обозначения так называемого открытого звучания голоса. В академической манере пения такое звучание не допускается. Белый звук применяется в классическом пении как выразительное средство.

Выбор редакции

Толковый словарь
Словарь музыкальных терминов
Словарь музыкальных терминов | 100 опер. Оперная музыка
Другие вопросы:
Толковый словарь

Вторичные жанры: опера, балет, кантата, концерт и др.

Урок 02. В музыкальном театре. Опера

Ответило 2 человека на вопрос: Как называется музыкальное вступление в классической опере.

вступление к опере, балету, 8 букв, сканворд

Библиотека

Что такое вступление к опере?
Вступление к опере, балету
ТОП-10 увертюр опер и балетов
Азбука сценического искусства. О – опера и оперетта

Словарь от А до Я (опера)

Собственно из таких арий складывается сюжет оперы. Текст музыкального представления называется либретто. Обычно он представляет собой краткий пересказ уже существующего литературного произведения , адаптированный для сцены и вокала. Реже текст либретто пишется на заказ кем-то из писателей-современников конкретно для той или иной оперы, либо составляется самим композитором. Основой оперы всё же является пение под музыку.

Оно рождается от союза поэзии и музыки. Но влияют на оперу и другие царственные родственники: живопись помогает в оформлении декораций, актёрское мастерство и вокал воплощают энергию музыки и тайные посылы литературы. Так что любители синтетического искусства, как правило, находят в посещении оперы колоссальное удовольствие. Из истории оперного жанра Опера ассоциируется у знатоков музыки с Италией.

Однако, как и многие виды искусства , зародилась она в античной Греции.

Самый конец XVI века, 1590-е годы. Италия, Флоренция. Общество молодых людей, любителей и знатоков искусств, представителей аристократической элиты. Они назвали свой кружок "Камерата", что-то вроде товарищества. Изучали всю доступную античную литературу, были тонкими знатоками живописи, скульптуры, архитектуры.

Лишь древняя музыка не давалась им в своем познании. Нотные записи не расшифровывались, их звуки ушли в небытие. Впрочем, если бы флорентийцы ставили своей целью только восстановить античную музыку, они бы этого сделать не сумели и остались бы ни с чем. Но их заинтересовало другое. Зная по современной им музыке, какой силой и одновременно тонкостью, каким неисчерпаемым разнообразием обладает мелодия, они решили распеть целую драму. Получилось необычно, неожиданно увлекательно и красиво.

А главное, благодаря мелодии и привлечению инструментов появились огромные, поистине сказочные возможности для прорисовки персонажей, чувств, явлений природы и т. Если авторы нового сочинения "Эвридика" Я. Пери и Дж. Каччини и поняли, что они открыли, то, конечно, лишь частично и на том уровне, на котором позволяло тогдашнее музыкальное искусство. Тем более, что главной для них оставалась драма. Поэтому ранние оперы, которые появлялись на протяжении первой половины XVII века в небольшом количестве, назывались dramma per musica, так сказать, "омузыкаленная драма", или, как потом стали проще называть, "музыкальная драма".

Таким образом, опера выросла из драматического театра. Музыка и драма - это союзницы и соперницы одновременно. Так сказать, женская дружба. На протяжении всей истории оперы между ними разворачивается борьба за первенство. Лидирует то одна, то другая. Но, несмотря на крайности, в которые они время от времени впадают, их отношения союзничества и соперничества очень плодотворны.

Именно благодаря этому и появляются шедевры. Благодаря этому не утихают споры вокруг оперы: какой она должна быть. И наконец, именно атмосфера споров побуждает композиторов искать новые пути. Бурной была история оперы и в России. И все же шаг за шагом, век за веком музыка укрепляет свои позиции. Разумеется, не за счет драмы.

Ведь ее, как таковую, никто не отменял. Напротив, драматический театр живет собственной жизнью. И более того, активно привлекает музыку. Сколько песен и другой театральной музыки пережили те постановки, к которым они создавались? Что же касается оперы, то ее подлинная история и триумф начались тогда, когда итальянские любители музыки осознали магию профессионального пения. Поразительная, пронзительная красота воспитанного, окультуренного специальным дыханием и работой голосовых связок певческого тембра вообще настоящая школа пения - это целая наука!

И это несмотря на появление таких соперников, как балет, симфония, джаз, рок. Многие любители музыки помнят чарующие голоса Т. Гобби, М. Дель Монако, Ф.

Страделлы, А. Скарлатти и др. Итальянские К. Наряду с оркестром и солистами в ней большое значение приобрёл хор. Высокохудожественные образцы духовных и светских К. Первые русские К. Во 2-й половине 19 в. Чайковским "Москва" , Н. Римским-Корсаковым "Из Гомера" и др. Танеевым, С. Термин "Р. Инструментальное сопровождение в Р. Жанровые разновидности Р. Романсное стихотворение лишено твёрдых жанровых признаков: обычно небольшое лирическое произведение, строфическое, рифмованное, со стихами средней длины, с напевным типом интонирования см. Мелодика стиха. Расцвет Р. Большое влияние на его развитие оказало творчество крупнейших поэтов: И. Гёте, Г. Гейне, А. История романса Романс развился из Песни; - это произведение новейшего времени. В Россию романс пришёл из Испании и вскоре приобрёл национальные черты. Появился жанр русского романса, который быстро стал популярен на волне веяний романтизма. На его основе в первой половине XIX века ведущими российскими композиторами создаётся жанр цыганского романса, впоследствии доработанный и доведённый до высокого уровня самими цыганами. В России более всего популярна такая разновидность русского романса, как городской романс, авторский по способу создания, но фольклорный по способу бытования. Черты вокального романса По форме романс схож с песней; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нём необязательна та квадратура, та чётность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде так называемых расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса должна иметь ясное и рельефное мелодическое очертание и отличаться певучестью. Рефрен, или припев, в романсе чаще всего отсутствует. Хотя бывают и исключения, как , например, произведение А. Даргомыжского "Старый капрал" - романс с припевом в форме куплетной песни. В романсе следует обращать внимание больше на передачу общего настроения текста, чем на подробную иллюстрацию его деталей. Интерес должен главным образом лежать в мелодии, а не в аккомпанементе. Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано и относится к разряду камерной музыки, хотя некоторые романсы аккомпанируются оркестром. Основные жанровые признаки романса Содержание романса не выходит за пределы лирики. Текст посвящён некоему переживанию, обычно любовному. Романс характеризуется только одним лирическим настроением. Однако спектр эмоциональных состояний в романсе настолько велик, что каждый исполнитель и слушатель имеет возможность выбрать наиболее близкое ему. В связи с тем, что романс обычно выражает любовное переживание, он либо имеет, либо подразумевает адресата, а следовательно, изначально диалогичен в самом своём содержании. Наличие двух героев порождает одно из самых важных качеств романса — его интимность, камерность. Романс как вокально-поэтический жанр представляет собой трёхгранную структуру, в которой одинаково значимы слово, музыка и речь. Такие романсы пишутся для фортепиано см. Мендельсона или для какого-нибудь другого сольного инструмента, с аккомпанементом. Строение Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием «сонатно-симфонический цикл». В классической симфонии в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков — Гайдна, Моцарта и Бетховена обычно имеется четыре части. Программной симфонией называется та, которая связана с известным содержанием, изложенным в программе выраженной, например, в названии или эпиграфе , — например, «Пасторальная симфония» Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн. В конце эпохи барокко ряд композиторов, например Джузеппе Торелли 1658-1709 , создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов "быстро — медленно — быстро". Хотя подобные сочинения обычно назывались "концертами", они ничем не отличались от сочинений под названием "симфония"; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще — это, как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты АА ВВ. Само слово "симфония" с 10 в. Габриели, прилагали это понятие к созвучию голосов и инструментов. Позднее в музыке таких композиторов, как Адриано Банкьери 1568-1634 и Саломоне Росси ок. Итальянские композиторы 17 в. Около 1680 в оперном творчестве А. Скарлатти установился тип симфонии как инструментальной композиции в трех разделах или частях , построенной по принципу "быстро — медленно — быстро". Классическая симфония. Слушателям 18 в. Утратив функцию вступления, симфония развилась в самостоятельное оркестровое произведение, обычно в трех частях "быстро — медленно — быстро". Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов и прежде всего Дж. Саммартини, создали модель классической симфонии — трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои или флейты , валторны, трубы и литавры. Для слушателей 18 в. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты — менуэт и трио и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень. Симфонии Й. Гайдна и В. Моцарта — блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом. Среди немецких симфонистов-романтиков — Ф. Мендельсон, Р. Шуман и И. Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья Шотландская и Четвертая Итальянская симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья Рейнская и Четвертая.

Ответ на сканворд

CodyCross Музыкальное вступление к опере ответы | Все миры и группы
Ответы : Как называется вступление в опере?
Информация
ответ на кроссворд и сканворд
ЧТО ТАКОЕ ОПЕРА, ОПЕРЕТТА И АРИЯ?
(фр. ouverture от uvrir — открывать) музыкальное вступление к опере, балету, кинофильму и т. п.

Из чего состоит опера: увертюра

Опера — это синтетический жанр, объединяющий в едином театральном действии различные виды искусств: музыку, драматургию, хореографию (балет), изобразительное искусство (декорации, костюмы). Опера. Драматургия, драматический – эти слова употребляют при характеристике музыки, в которой передаются переживания человека. Основой драматургического развития действия любого музыкального спектакля – оперы, балета, мюзикла и др. – является конфликт. Минерал, руда титана Формальное соединение различных стилей в искусстве, литературе или архитектуре Автор картины "Завтрак на траве" Река в Китае, самая длинная в Евразии Отечественный бард и актер Название Русского государства в иностранных источниках. это музыкальное произведение, которое звучит перед началом оперы и создаёт атмосферу для зрителей. Это называется интродукция или предыгра, в зависимости от конкретной оперы.

Что такое вступление к опере?

К следующему столетию это уже самый популярный вид музыкального творчества, который стремительно развивается сам и влияет на развитие других жанров. В частности, из оперной увертюры родилась симфония. Появляются различные направления и национальные оперные школы. Дошло даже до так называемой «войны буффонов» — растянувшейся на два года полемики между представителями итальянской и французской оперы, в результате которой итальянской труппе пришлось покинуть Париж, а там появилась французская комическая опера, предтеча оперетты. Иногда этим термином обозначали комические оперы, бытовые комедии, а в Германии и Австрии своеобразный жанр зингшпиль, буквально пение с игрой, пьесу с музыкальными номерами, а позже оперу с разговорными вставками. Характерные черты оперетты: комический характер, пение, музыка и танцы давно проявлялись в более низких национальных жанрах, так что сами родоначальники современной оперетты, Флоримон Эрве и Жак Оффенбах, утверждали, что всего лишь возрождают жанр. Жак Оффенбах У оперетты, как и в некотором смысле у оперы, есть конкретный день рождения — 5 июля 1855 года, когда Жак Оффенбах открыл свой маленький театр «Буфф-Паризьен» на Елисейских полях. Флоримон Эрве открыл свой театрик «Фоли-Нувель» на год раньше, но он ставил там короткие буффонады и театральные пародии в пику наложенными на его произведения властями ограничению одним актом и двумя действующими лицами, чтобы он не мог конкурировать с театром «Опера-Комик». Оффенбах начинал с того же, но вскоре развил жанр более широкой музыкальной основой, лирикой и сатирой.

Именно его стали считать основателем оперетты, что привело к личной вражде с Эрве. Его произведение «Орфей в аду» 1858 сегодня часто считается первой классической опереттой, хотя сам он на тот момент называл жанр оперой-буффон.

С певучими вокальными номерами в опере перемежаются речитативы от лат. Основная функция речитатива — передать содержание действия. В массовых сценах звучит хор, который нередко выступает одним из главных действующих лиц оперы или комментирует происходящее на сцене.

В зависимости от сюжета, времени создания оперы и возможностей театра в опере могут быть и танцы, и даже балетные сцены. В опере велика роль оркестра. Он и аккомпанирует певцам и хору, и выступает как равноправный партнёр действующих лиц или как самостоятельное действующее лицо. Оркестровые эпизоды помогают понять слушателям основные линии развития действия.

Оркестровая пьеса, исполняемая перед началом оперы или балета, обычно основанная на темах произведения, которому она предшествует, и сжато воплощающая его главную идею. Название самостоятельного одночастного оркестрового произведения, часто относящегося к программной музыке. На заре существования оперы увертюра имела весьма скромное назначение: призвать внимание слушателей к начинающемуся спектаклю.

Автор Rusalk Русалина задал вопрос в разделе Музыка Как называется музыкальное вступление к опере, балету, оперетте?

Что такое вступление в классической опере и как оно называется

как именуется музыкальное вступление в классической опере - Литература »	Выбрать правильный ответ: симфония; фантазия; поэма; увертюра; кантата Как называется содержание оперы, выраженное в литературной форме?Выбрать правильный ответ: п.
Как называется инструментальное... \| Ответ на вопрос \| QuizzClub	50. Людвиг ван Бетховен (1770–1827 гг.) – важнейшая фигура мировой классической музыки. Один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире.
как называется оркестровое вступление к опере балету музыкальному спектаклю \| Дзен	Опера. Драматургия, драматический – эти слова употребляют при характеристике музыки, в которой передаются переживания человека. Основой драматургического развития действия любого музыкального спектакля – оперы, балета, мюзикла и др. – является конфликт.
ЧТО ТАКОЕ ОПЕРА, ОПЕРЕТТА И АРИЯ? МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛОВАРЬ - АРИЯ, АРИОЗО, АРИЕТТА, КАВАТИНА. \|	Ответ на ваш вопрос находится у нас, Ответило 2 человека на вопрос: Как называется музыкальное вступление в классической опере.

Азбука сценического искусства. О – опера и оперетта

инструментальная оркестровая пьеса, служащая вступлением к музыкальным (и не только) произведениям. Увертюра может открывать оперу, балет, хоровые выступления, кинофильм, драматическую театральную постановку, инструментальные композиции и др. Впредь в придворном театре должны звучать только оперы с увертюрой одного-единственного рода — "итальянской увертюрой" — такое предписание издал в 1745 году Фридрих II, король Пруссии. В классическом типе оперы главным средством донесения до публики сюжета и развития действия является речитатив: быстрая мелодизированная декламация в свободном метре, поддержанная простыми аккордами и основанная на естественных речевых интонациях. Вопрос по литературе: Как называется музыкальное вступление в классической опере. Что значит слово «увертюра» в словаре? (франц. ouverture — от лат. apertura — открытие, начало),оркестровое вступление к опере, балету, драматическому спектаклю и т. п.(часто в сонатной форме), а также самостоятельная оркестровая пьеса,обычно программного характера. Опера – это жанр музыкально-драматического искусства, история, сыгранная на сцене с помощью музыки. Само слово «опера» переводится с латыни как «действие, труд».

В музыкальном театре

Оркестровое вступление к опере или балету 8 букв Итог действия музыкального сочинения самая громкая часть 8 букв Вступительная часть оперного спектакля 8 букв Первая часть симфонии или сонаты называется 8 букв Слово означающее в переводе с французского открывать 8 букв Инструментальное вступление к музыкальному произведению 8 букв Вступительный раздел в опере 8 букв Вступление к опере Руслан и Людмила 8 букв Как называется инструментальная пьеса исполняемая перед началом какого- либо представления 8 букв Музыкальный номер в опере который вводит слушателя в атмосферу действия и знакомит с основными темами 8 букв Музыкальное выступление к балету 8 букв Инструментальное выступление к театральному спектаклю, чаще музыкальному Начиная с 20 века, такого рода музыкальные выступления, нередко предваряют и кинофильм 8 букв.

Звучат медленные, короткие, разделенные остановками фразы. Это пение, но очень похожее на декламацию. Называется оно речитатив латинское слово recitare - читать вслух, громко произносить. Значение речитатива в опере очень велико. Он - основной «инструмент» развития действия. Ведь тогда, когда звучат законченные музыкальные номера-арии, ансамбли - действие обычно останавливается.

Оперы без речитатива не существует. Но зато бывают оперы, полностью построенные на речитативе. Большую роль в опере играет хор. С его помощью композиторы изображают картины народной жизни. А в операх М. Мусоргского «Борис Годунов» и «Хованщина» народ, по определению самого композитора, является даже главным действующим лицом.

Еще один из важных компонентов, без которого не может обойтись опера, это оркестр. Он исполняет увертюру, симфонические антракты, звучит во время всего действия, создает яркие картины, раскрывает чувства героев. Возникло оперное искусство четыреста лет тому назад, в конце XVI века. Первый музыкальный спектакль с пением на сюжет древнегреческого мифа о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном был поставлен в итальянском городе Флоренции в 1594 году. С тех пор опера прошла большой, сложный путь. Родившись в Италии, она попала далее и в другие страны Европы, Возникнув как произведение мифологическое, теперь она удивительно разнообразна по сюжетам.

В XIX веке в разных странах сложились национальные оперные школы. В большинстве случаев оперы пишутся на сюжеты, взятые из литературы. Шостаковича, «Война и мир» и «Повесть о настоящем человеке» С. Прокофьева, «Тихий Дон» и «Поднятая целина» И. Дзержинского, «Кола Брюньон» и «Семья Тараса» Кабалевского - много на свете опер, в основе которых лежат хорошо известные романы, повести, драматические пьесы... Партитура готовой оперы передается в театр.

Над ней работает дирижер, свои партии разучивают солисты и хор, режиссер осуществляет постановку, художники пишут декорации. Только в результате общего труда всех этих людей возникает оперный спектакль. Михеева Однажды один знакомый музыкант показал мне старинные ноты и сказал, что нашел совершенно неизвестную оперу. На нотах действительно было написано opera. Пришлось, однако, разочаровать его. Слово opera по-итальянски буквально означает "сочинение", что и имелось в виду в издании тех вокальных пьес.

Новый и всем известный смысл это слово приобрело в XVIII веке, через сто лет после создания самого жанра, когда оперы стали появляться в большом количестве. Те, кто придумали оперу, предполагали нечто иное, чем то, что мы знаем по более поздним образцам. И произошло это так. Самый конец XVI века, 1590-е годы. Италия, Флоренция. Общество молодых людей, любителей и знатоков искусств, представителей аристократической элиты.

Они назвали свой кружок "Камерата", что-то вроде товарищества. Изучали всю доступную античную литературу, были тонкими знатоками живописи, скульптуры, архитектуры. Лишь древняя музыка не давалась им в своем познании.

Высокохудожественные образцы духовных и светских К. Первые русские К. Во 2-й половине 19 в. Чайковским "Москва" , Н. Римским-Корсаковым "Из Гомера" и др. Танеевым, С.

Термин "Р. Инструментальное сопровождение в Р. Жанровые разновидности Р. Романсное стихотворение лишено твёрдых жанровых признаков: обычно небольшое лирическое произведение, строфическое, рифмованное, со стихами средней длины, с напевным типом интонирования см. Мелодика стиха. Расцвет Р. Большое влияние на его развитие оказало творчество крупнейших поэтов: И. Гёте, Г. Гейне, А.

История романса Романс развился из Песни; - это произведение новейшего времени. В Россию романс пришёл из Испании и вскоре приобрёл национальные черты. Появился жанр русского романса, который быстро стал популярен на волне веяний романтизма. На его основе в первой половине XIX века ведущими российскими композиторами создаётся жанр цыганского романса, впоследствии доработанный и доведённый до высокого уровня самими цыганами. В России более всего популярна такая разновидность русского романса, как городской романс, авторский по способу создания, но фольклорный по способу бытования. Черты вокального романса По форме романс схож с песней; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нём необязательна та квадратура, та чётность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде так называемых расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса должна иметь ясное и рельефное мелодическое очертание и отличаться певучестью. Рефрен, или припев, в романсе чаще всего отсутствует.

Хотя бывают и исключения, как , например, произведение А. Даргомыжского "Старый капрал" - романс с припевом в форме куплетной песни. В романсе следует обращать внимание больше на передачу общего настроения текста, чем на подробную иллюстрацию его деталей. Интерес должен главным образом лежать в мелодии, а не в аккомпанементе. Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано и относится к разряду камерной музыки, хотя некоторые романсы аккомпанируются оркестром. Основные жанровые признаки романса Содержание романса не выходит за пределы лирики. Текст посвящён некоему переживанию, обычно любовному. Романс характеризуется только одним лирическим настроением. Однако спектр эмоциональных состояний в романсе настолько велик, что каждый исполнитель и слушатель имеет возможность выбрать наиболее близкое ему.

В связи с тем, что романс обычно выражает любовное переживание, он либо имеет, либо подразумевает адресата, а следовательно, изначально диалогичен в самом своём содержании. Наличие двух героев порождает одно из самых важных качеств романса — его интимность, камерность. Романс как вокально-поэтический жанр представляет собой трёхгранную структуру, в которой одинаково значимы слово, музыка и речь. Такие романсы пишутся для фортепиано см. Мендельсона или для какого-нибудь другого сольного инструмента, с аккомпанементом. Строение Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием «сонатно-симфонический цикл». В классической симфонии в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков — Гайдна, Моцарта и Бетховена обычно имеется четыре части. Программной симфонией называется та, которая связана с известным содержанием, изложенным в программе выраженной, например, в названии или эпиграфе , — например, «Пасторальная симфония» Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн.

В конце эпохи барокко ряд композиторов, например Джузеппе Торелли 1658-1709 , создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов "быстро — медленно — быстро". Хотя подобные сочинения обычно назывались "концертами", они ничем не отличались от сочинений под названием "симфония"; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще — это, как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты АА ВВ. Само слово "симфония" с 10 в. Габриели, прилагали это понятие к созвучию голосов и инструментов. Позднее в музыке таких композиторов, как Адриано Банкьери 1568-1634 и Саломоне Росси ок. Итальянские композиторы 17 в. Около 1680 в оперном творчестве А. Скарлатти установился тип симфонии как инструментальной композиции в трех разделах или частях , построенной по принципу "быстро — медленно — быстро".

Классическая симфония. Слушателям 18 в. Утратив функцию вступления, симфония развилась в самостоятельное оркестровое произведение, обычно в трех частях "быстро — медленно — быстро". Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов и прежде всего Дж. Саммартини, создали модель классической симфонии — трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои или флейты , валторны, трубы и литавры. Для слушателей 18 в. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты — менуэт и трио и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень. Симфонии Й.

Гайдна и В. Моцарта — блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом. Среди немецких симфонистов-романтиков — Ф. Мендельсон, Р. Шуман и И.

Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья Шотландская и Четвертая Итальянская симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья Рейнская и Четвертая. Романтическая симфония. С творчеством Бетховена симфония вступила в новый век. Свойственные его стилю резкие смены темпа, широта динамического диапазона, богатство образности, виртуозность и драматичность, иногда неожиданность появления и многозначность тем — все это расчистило путь композиторам романтической эпохи. Осознавая величие Бетховена, они стремились идти его путем, не теряя при этом собственной индивидуальности.

Экспозиция и реприза содержат по сути один и тот же тематический материал, но для экспозиции типичен прежде всего контраст между основными темами, их "борьба", а для репризы — "примирение". В ранней сонатной форме экспозиция, а также разработка вместе с репризой повторялись. Когда разработка разрослась что имеет место во многих сонатах Гайдна, Моцарта и Бетховена , ее повторение вместе с репризой оказалось излишним, хотя повторение экспозиции еще довольно долго оставалось непреложным правилом. Прелюдия от лат. В период зарождения, прелюдии всегда предшествовали более длинному, сложному и строго оформленному произведению отсюда название , но впоследствии композиторы стали писать прелюдии и как самостоятельные произведения. В прелюдиях часто встречается остинато, в целом прелюдии по стилю похожи на импровизацию. Прелюдия, прелюд позднелат. Первоначально П. Для П. Такие пьесы часто носили и др. Баха, сложился устойчивый малый цикл прелюдия — фуга. Бах утвердил также тип большого цикла прелюдий и фуг, охватывающий все мажорные и минорные тональности 1-й и 2-й тома "Хорошо темперированного клавира". Подобные циклы создавались и впоследствии "24 прелюдии и фуги" Шостаковича для фортепиано. Возник и цикл только прелюдий, также во всех тональностях произведения Ф. Шопена, А. Скрябина, К. Дебюсси, Д. Кабалевского и др. История Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии, в которых длительности нот оставались на усмотрение исполнителя. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века. Последние такие прелюдии датируются 1710-ми годами. В прелюдиях северо немецких композиторов, таких как Дитрих Букстехуде или Николай Брунс, сочетались свободная импровизация и части, написанные по строгим канонам контрапункта обычно это были миниатюрные фуги. Вне Германии такую модель прелюдии использовал Авраам ван-дер-Керкховен, один из наиболее известных голландских композиторов той эпохи. Южно- и центрально немецкие композиторы не следовали такому способу построения прелюдий, и их произведения оставались импровизационными, включая лишь небольшие элементы контрапункта или вовсе обходясь без него. В течение второй половины XVII века немецкие композиторы начали писать двойные произведения, объединяя прелюдию или токкату с фугой в той же тональности. Одним из первых таких композиторов был Иоганн Пахельбель, хотя прелюдии и фуги И. Баха более многочисленны и пользуются большей известностью сегодня. Органные прелюдии Баха крайне разнообразны, в них прослеживается как северо немецкое, так и южнонемецкое влияние. Иоганн Каспар Фердинанд Фишер ум. Сборник Фишера «Ariadne musica» — это цикл клавирных произведений, состоящий из прелюдий с фугами; прелюдии здесь разнообразны и не подчиняются какой-то общей модели. Этот цикл стал предшественником более известного цикла И. Баха, «Хорошо темперированного клавира», состоящего из двух томов, содержащих по 24 прелюдии и фуги. Прелюдии Баха также разнообразны, некоторые напоминают танцы эпохи Барокко, а некоторые содержат двух- или трёхголосный контрапункт. Фредерик Шопен написал цикл из 24 прелюдий без фуг Op. С тех пор многие композиторы писали прелюдии как самостоятельные произведения: особенно большое влияние на последующих композиторов оказали два тома импрессионистских прелюдий Клода Дебюсси. Форму прелюдий использовали и некоторые композиторы XX века, когда сочиняли «сюиты», навеянные музыкой Барокко. В фуге присутствует несколько голосов, каждый из которых в соответствии со строгими правилами повторяет, в основном или изменённом виде, тему — короткую мелодию, проходящую через всю фугу. Строение Тема Вся фуга строится вокруг короткой мелодии — темы. Диапазон темы обычно не превышает октавы. Тема не должна быть длинна, чтобы её можно было легко запомнить и узнавать в течение всей фуги; длинная тема возможна только в том случае, когда она имеет характер секвенции. Для темы достаточно 3, 4 или 6 тактов, в зависимости от темпа. В скором темпе возможна тема и в восемь тактов. Начальным звуком темы обычно служит I или V ступень лада — один из звуков, наиболее ясно определяющих тональность произведения. Тема может не иметь ярко выраженного завершения; иногда же она заканчивается четким кадансом в основной или доминантовой тональности. Характерной можно назвать ту тему, которая запоминается своеобразным сопоставлением интервалов и разнообразным, но не пёстрым ритмом. В простой фуге тема должна быть одноголосной. Существуют правила написания темы строгого стиля: Диапазон темы не должен превышать октавы. Запрещено использование подряд трёх больших секунд, а также использование увеличенной секунды и тритона. Рекомендуется использовать скачки на терцию, кварту, квинту, октаву. При скачке должна быть подготовка и последующее заполнение. Подготовка — противоположное скачку движение. Заполнение — противоположное скачку продолжение. Тема должна состоять из нечётного количества тактов. Мелкие длительности не должны встречаться на сильной доле. Мелодике темы часто бывает свойственна так называемая «скрытая полифония». Это явление выражается в том, что между отдельными звуками темы возникает мелодическая связь на расстоянии. Линия одного голоса как бы разделяется на две или три мелодические линии. Это осуществляется в результате скачков, либо с возвращением к исходному звуку, либо разделяющих мелодически близкие друг к другу звуки. Многоголосие Фуги состоят из нескольких самостоятельных голосов обычно от 2 до 5 и распадаются на три части: экспозицию, разработку и репризу. Экспозиция содержит первоначальное изложение темы последовательно во всех голосах. Иногда используются дополнительные проведения, которые во всех голосах образуют контроэкспозицию. Мелодические построения между проведениями называются интермедиями. Они используются во всех частях фуги, в экспозиции же интермедия чаще всего используется между вторым и третьим проведением темы. Разработка начинается с проведения темы в новой тональности. Строение этой части не типично, поэтому можно выделить лишь общие закономерности её структуры. Из тональностей наиболее употребительными являются параллельные использованным в экспозиции, а также доминантовая и субдоминантовая тональность. Большее значение приобретают интермедии. Широко используются тематические преобразования: обращение темы, её увеличение или уменьшение. Реприза обычно начинается с проведения темы в главной тональности и может не выходить за её рамки, но иногда используется и доминантовая тональность. Нередко важное значение приобретает субдоминантовая тональность, с которой может даже начаться реприза. По размеру реприза чаще всего короче экспозиции, но не ограничивается одним проведением. Кодой называется заключительное повторение фуги, иногда возникающее после заключительного каданса в главной тональности.

как называется музыкальное вступление в классической опере

И, конечно, вспоминают анекдоты из театральной жизни: например, как легендарный авиатор Чкалов во время спектакля спас певицу, когда у нее от пламени свечи загорелся парик. Чайковского Три разных спектакля — три эпохи балета Великобритании. Хореография сэра Фредерика Аштона, декорации и костюмы Уильяма Чеппела. Одноактный балет на музыку из саундтреков к кинофильму «451 градус по Фаренгейту» и сериалу «Сумеречная зона» эпизод «Пешая прогулка» Мировая премьера состоялась в Перми в 2014 году. Возобновление 2019 года.

Гаммы обычно используются для тренировки в игре на инструменте или пении. Нельзя перед пением употреблять в пищу ничего, раздражающего горло: острого, соленого, горячего, холодного, использовать семечки, орехи. Вредно действуют на голосовой аппарат холод, жара, пыль, а также табак и особенно пиво, спиртные напитки. Пищу следует принимать не позже, чем за 2 часа до пения. В холодное время года, придя с улицы, перед пением нужно согреться, а выходя после пения — предварительно остыть.

По утрам полезно полоскать горло комнатной водой. Неумеренные разговоры утомляют голос, поэтому на хоровых занятиях каждую не занятую пением минуту следует использовать для отдыха. Расшатывают голос форсированное крикливое пение и громкая речь, злоупотребление неудобной высокой, низкой тесситурой, исполнение чрезмерно сложного репертуара. Отрицательно действуют на голос общее переутомление, нервные потрясения. Женщины не должны петь во время ежемесячного нездоровья 3 дня ; нарушение этого правила ведет к нечистому интонированию, может вызвать заболевание голосовых связок. При болезнях голосового аппарата в результате переутомления певцу вредит и присутствие на занятиях, т. В процессе обучения пению следует соблюдать постепенность в преодолении технических трудностей, чередовать занятия с отдыхом. Произведения с высокой тесситурой необходимо при разучивании и многократном повторении транспонировать вниз. Укрепление здоровья, закалка организма от простудных заболеваний, правильная организация питания и отдыха повышают жизненный тонус и положительно отражаются на голосе; в свою очередь, хорошее звучание голоса благоприятно воздействует на самочувствие певца.

Для контроля за состоянием голосового аппарата необходимо периодически проводить фониатрические осмотры; каждый поющий должен знать основные правила певческой гигиены. ГИМН греч. Существуют Г. Государственные Г. Певческим голосом также называют способность петь говорят, например, о «постановке Голоса» ; иногда под голосом подразумевают голосовой аппарат «охрана голоса». Задатками певческого голоса обладает большинство людей, однако хорошие голоса довольно редки М. Глинка определял хороший голос как «верный, звонкий, приятный». Одним из наилучших средств, помогающих развитию голоса и связанного с ним музыкального слуха , является пение. Тембр ; г артикуляционный аппарат, формирующий гласные и согласные звуки: нижн.

В процессе пения все части Голосового аппарата, управляемого мозгом, действуют одновременно и взаимосвязанно. Голос может быть речевым, певческим и шепотным. ГОРЛОВОЙ ЗВУК — специфическое звучание голоса, образующееся в результате того, что голосовые складки работают в режиме «пересмыкания», то есть в процессе колебания фаза их сомкнутого состояния превалирует над разомкнутой, а сама гортань напряжена. Глиссандо предполагает плавный переход от одного звука к другому через все лежащие между ними звуки, возможные для воспроизведения на данном инструменте. В некоторых случаях глиссандо отличается от непрерывного портаменто. Диапазон голоса певца-солиста профессионала должен быть не менее 2-х октав, что позволяет исполнять ведущие оперные партии, камерный репертуар. Требования к Диапазону певца профессионального хора — те же, значительно меньшие — к участнику любительского хора, где недостаток хороших высоких или низких звуков у одного певца компенсируется за счет другого. Диапазон певцов самодеятельных хоров редко превышают объем так называемого рабочего наиболее употребительного Диапазона — полторы октавы. При обучении пению диапазон, как правило, расширяется в ту и другую сторону , однако необходимо следить, чтобы певец при этом не потерял хороший природный тембр.

Хорошая Дикция — непременное условие вокального, в том числе хорового исполнения; в хоре зависит от качества произношения у каждого поющего и от однородности и одновременности произнесения всей хоровой партией. Особенно важно четкое произношение согласных. Для ясности дикции важны также осмысленность произнесения, пение наизусть известно выражение вокалистов: «Звук следует за взглядом». Дикция должна соответствовать характеру произведения. ДЖАЗ — род музыки, сложившейся на рубеже 19- н. Характерными чертами джаза являются импровизационность , ритмическая изощренность, повышенная эмоциональность исполнения. ДЫХАНИЕ певческое один из основных факторов голосообразования, энергетический источник голоса, важнейший элемент певческого процесса; до некоторой степени подчинено воле поющего выбор типа дыхания, задержка дыхания перед атакой звука, дозировка вдоха и выдоха. В современной вокальной методике принято смешанное или нижнереберно-диафрагмальное грудобрюшное, косто-абдоминальное Дыхание, когда при глубоком вдохе раздвигаются нижние ребра, опускается диафрагма вследствие чего выпячивается стенка живота ; плечи и верхняя часть груди неподвижны.

Оперные жанры, чётко дифференцированные в первой половине 18 в. Содержание комической оперы углублялось, в неё вносились элементы чувствительной патетики, драматизма, иногда героики «Ричард Львиное Сердце» Гретри, 1784. Представителем академизма в музыкальном театре Франции был Г. Внешне примыкающий к жанру опера-комик «Иосиф» Э. Мегюля 1807 соединяет классическую строгость и простоту с некоторыми предвестиями романтизма. Романтические тенденции явственно обнаруживают себя в «Белой даме» Ф. Буальдьё 1825. В жанре большой оперы — монументальной, романтически приподнятой, пышно декорированной — создана «Немая из Портичи» Д. Обера 1828. Этот тип получил дальнейшее развитие в операх «Вильгельм Телль» Россини 1829 , «Роберт-дьявол» 1831 , «Гугеноты» 1835 , «Пророк» 1849 , «Африканка» 1865 Дж. Близок Мейерберу в трактовке исторической тематики Ф. Галеви «Жидовка», 1835. В проникнутой ренессансным духом опере «Бенвенуто Челлини» 1838 Г. Берлиоз опирался на жанр комической оперы; в дилогии «Троянцы» поставлена в 1863 он продолжил глюковскую героическую традицию, окрасив её в романтические тона. Сцена из 3-го акта оперы «Валькирия» Р. Группа валькирий. Гофмана , характерны сюжеты из народных сказок, легенд и преданий или из исторического прошлого страны, картины быта и природы, переплетение реального и фантастического. Расцвет немецкого национального оперного театра связан с появлением зингшпиля «Вольный стрелок» К. Шуман , Р. Представителями романтического направления в немецкой опере были также Л. Шпор и Г. В ином плане развивали традиции зингшпиля А. Лорцинг , О. Николаи , Ф. Теодор Пиксис. Сцена из оперы «Лоэнгрин» Р. Вагнера в Королевском театре в Мюнхене. Признавая ведущую роль драматического начала в опере, стремясь к непрерывности музыкального развития, Вагнер отказался от традиционной «номерной» структуры оперного акта ария, ансамбль и др. Композитор-романтик руководствуется лишь поэтической идеей литературного первоисточника древнего мифа, эпоса, рыцарского романа и т. В основе вагнеровской музыкальной драматургии — сложная система лейтмотивов , разрабатываемых главных образов в оркестре; их сцепления и полифонические комбинации образуют безостановочно текущую музыкальную ткань — «бесконечную мелодию». Эти принципы полностью оформились в опере «Тристан и Изольда» 1865 — грандиозной поэме о любви и смерти. Развитая система лейтмотивов отличает и оперу «Нюрнбергские мейстерзингеры» 1868 , несмотря на обилие песенных элементов и динамичных народных сцен. Центральное место в творчестве Вагнера занимает грандиозная тетралогия «Кольцо нибелунга» «Золото Рейна» , «Валькирия» , «Зигфрид» и «Гибель богов» , полностью поставлена в 1876 , где борьба богов и героев скандинавской мифологии символизирует современный «мир организованного убийства и грабежа». Видя в католическом вероучении нравственную альтернативу этому миру, Вагнер в «Парсифале» 1882 обратился к средневековой легенде о священном граале. Рихард Вагнер. Опера «Тристан и Изольда», смерть Изольды. Запись 1913 г. Исполняет Л. Беллини эти настроения окрашены тонами мечтательного лиризма «Норма» , «Сомнамбула» , обе 1831 ; в его же опере «Пуритане» 1835 лирическая драма развёртывается на фоне религиозного противоборства. Историко-романтическая драма привлекала Г. Доницетти «Лючия ди Ламмермур» , 1835; «Лукреция Борджиа» , 1833 ; его комические оперы «Любовный напиток» , 1832; «Дон Паскуале» , 1843 соединяют буффонаду с непритязательным лиризмом. Верди , впервые затронув острую социально-историческую тематику в «Риголетто» 1851 , обратился к сюжету из повседневной жизни в «Травиате» 1853 — романтической истории любви и в то же время беспощадно правдивому обличению социального неравенства; «Дон Карлос» 1867 и «Аида» 1871 с их монументальными формами обогатили средства вокальной и оркестровой выразительности своего времени. Полное слияние музыки с драматическим действием достигнуто Верди и либреттистом А. Бойто в опере «Отелло» 1887 — произведении, сочетающем шекспировскую мощь страстей с углублённым психологизмом. В комедийном жанре «Фальстаф» , 1893 Верди, по сути, реформировал оперу-буффа сквозное действие и ярко характеристический язык вокальных партий, основанных на декламационном принципе. Сцена из оперы «Аида» Дж. Эрфуртский театр. Тома ; наиболее полно и характерно жанр представлен «Фаустом» Ш. Гуно 1859. В ряде лирических опер личная драма героев показана на фоне экзотической природы и быта Востока «Лакме» Л. Делиба , 1883; «Искатели жемчуга», 1863, и «Джамиле», 1872, Ж. Созданная в 1875 г. Видным мастером лирической оперы был Ж. Массне «Манон» , 1884; «Вертер», поставлена в 1892. Фото: Е. Выраженный национальный характер отличает оперы А. С появлением классических шедевров М. Глинки «Жизнь за царя» , 1836; «Руслан и Людмила» , 1842 и А. Даргомыжского «Русалка» , 1856; «Каменный гость» , 1869, поставлена в 1872 русская оперная школа вступила в пору своего расцвета. Мусоргский в «Борисе Годунове» поставлена в 1874, вторая редакция и «народной музыкальной драме» «Хованщина» поставлена в 1886 в инструментовке Н. Римского-Корсакова воплотил острейшие социально-исторические конфликты; яркая обрисовка им народных масс сочетается с глубоким психологизмом. Его «Женитьба» в качестве либретто без изменений взята одноимённая комедия Н. Гоголя ; не окончена — первый опыт претворения прозаического текста в опере. Сцена из оперы «Хованщина» М. Мусоргского в Мариинском театре. В «Князе Игоре» А. Бородина 1887, поставлена в 1890 выпуклые и цельные образы героев оттеняются эпическими картинами Древней Руси, которым противопоставлены ориентальные сцены в половецком стане. Русскую версию лирической оперы создал П.

Скарлатти 1660—1725. Он родился в Сицилии, но вскоре перебрался на север. Потеряв службу в Риме у экс-королевы шведской Кристины, он обосновался в Неаполе. К 46 годам Скарлатти был автором 88 опер многие из них утеряны. Редкие авторы достигали почти абсолютного равновесия драматического и лирического элементов, среди них — Монтеверди, Моцарт, Бизе, Верди, Яначек и Бриттен.

Как называется музыкальное выступление в классической опере